See you later, alligator…

Si quieres saber más sobre esta pieza tan especial, aquí tienes una entrevista con No-Domain:

1. ¿Cual fue tu inspiración para realizar esta pieza?

La canción fue el ingrediente principal, ya que se trata de uno de mis mejores amigos cantando junto con sus hijas. Pero no quería ponerle imágenes literales, sino asociar la historia con un cierto tipo de surrelismo basado en movimientos simples o mecanismos en lugar de caracteres. Tiene algo de homenaje a los “readymades” de Duchamp, pero a la inversa: dadaismo de los niños para los adultos.

2. ¿De donde viene esa fascinación por la cinta de cassette?

Mientras buscaba mecanismos que encajaran con el tempo de la canción, me di cuenta de que el compás del ukelele tiene casi la misma velocidad que los antiguos reproductores de cinta en modo “play”.

Igualmente las palabras con las que se abre la pieza son indicaciones para una “toma buena” a la hora de grabar, una razón para comenzar a investigar en las formas y estética de la cassette. Desde el punto de vista de un niño, se trata de un objeto muy antropomórfico, con cara, ojos, dientes e incluso pelo y lengua, pero desde el punto de vista de un adulto, es un almacén de memorias pasadas. Además, si abres el objeto, dentro encuentras un montón de formas y materiales para expresarte, para dibujar garabatos con la cinta o dejar que flote al viento. Todo eso encajaba con el tipo de narrativa no-lineal que estaba buscando.

3. ¿Cómo seleccionaste los objetos que aparecen?

Me gustaba la idea de utilizar objetos simples que cualquier niño pudiera manipular pero que al mismo tiempo pertenecieran a un mundo adulto. Buscar la conexión entre objetos por los cuales sentimos algún tipo de nostalgia, pero que para los niños fueran desconocidos y anacrónicos. Hay una combinación entre objetos perdidos y hallados. Realicé la película durante un complicado periodo de cambio en mi vida, por lo que quería utilizar estos objetos llenos de recuerdos como tesoros y desechos al mismo tiempo, una especie de nostálgicos y tiernos naufragios.

4. ¿Cuanto tiempo tomó producir el video? ¿Cómo fue el rodaje?

Es un proyecto desarrollado con calma. Un mes cocinando la idea, jugando con objetos y recolectando cosas. Otro mes preparando la tomas con Micaela, Agustina y Valodia a través del skype, porque ellos viven en Boston y el estudio de No-Domain está en Barcelona.

Alrededor de una semana para filmar y hacer pruebas con las cintas. Editar la historia, buscar los pequeños momentos abstractos dentro del metraje y ponerlo en armonía con las voces y la música llevó otro mes más. Por ultimo, dos semanas para darle el acabado final: corrección de color, animación, mezcla de sonido y masterización.

La pieza está rodado con una Canon 5D Mark II. Fue muy importante el trabajo de dirección fotográfica de Javier Tles, que aporta ese tono cálido y cercano.

5. Detrás de una narrativa aparentemente sencilla se perciben muchas referencias que quizás sean un poco crípticas para el espectador….
¿Cuál es la historia detrás de lo que vemos?

Yo diría que hay varias microhistorias dentro de la canción. Las cintas funcionan como el hilo narrativo principal, que nos guía a través de la canción y nos deja en un estado ingrávido, como el viento que nos muestra el camino invisible de los sueños.

Algunas escenas son independientes, pero otras son metáforas conceptuales como las cintas voladoras, las constelaciones bidimensionales, las zetas colgantes, las gafas estereoscópicas, etc. Todas ellas se desvanecen y se mezclan de la misma manera en que nuestra mente procesa las imágenes en el estado alpha antes de quedarnos dormidos.

Toda esta mezcla de técnicas de video, stop motion y fotografía estática no son casuales, sino que me ayudaron a desarrollar una narrativa no-lineal muy cercana a la manera en que procesamos los sueños, que siguen una estructura aparentemente caótica.

Cuando el realizador Kike Maíllo encargó a Dvein la creación de los títulos de crédito para su nueva película de ciencia-ficción, Eva , les dio una libertad creativa total. Basándose en el universo estético de la película, de un elegante y cálido retro-futurismo, los chicos de Dvein han aprovechado dicha confianza para desarrollar una secuencia de créditos que es pura alquimia visual…

Con referencias tan eclécticas como las redes neuronales, la memoria, la orfebrería y la propia alquimia, estos títulos de crédito sirven para introducir gradualmente al espectador en un mundo que resulta fantástico a primera vista, pero que al mismo tiempo nos habla de sentimientos y emociones muy humanas.

De hecho, en esta película, la conexión entre los títulos de crédito y la trama es especialmente cercana, ya que los elementos de motion-graphics que aparecen en la secuencia de entrada fueron utilizados por Dvein también para diseñar el espectacular interfaz holográfico que el protagonista -Álex Garel- maneja para programar el robot en una escena clave de la película.

No te pierdas dicha escena en el trailer de Eva…

Además de haber sido exhibida en la 68ª edición de la Mostra de Venecia, Eva acaba de inaugurar la sección oficial del Festival de Cine Fantástico de Sitges.

+ Información: evalapelicula.com

Ficha técnica secuencia de créditos:
Direction & Animation: Dvein
Renderfarm: Renderfarm Solution
Music: Evgueni Galperine & Sacha Galperine
Sound Design: Oriol Tarragó

* Puedes ver otros proyectos de Dvein en http://8deagosto.tv/directores/dvein/7

Con videoclips interactivos como 3 Dreams of Black, o The Wilderness Downtown (para un tema del grupo Arcade Fire) y proyectos colaborativos como el emocionante The Johnny Cash Project, Chris Milk se ha convertido en uno de los realizadores más interesantes a la hora de experimentar con la cinematografía interactiva y las posibilidades narrativas de los nuevos medios.

En esta ocasión, sin embargo, el director recurre a una narrativa lineal clásica para condensar en sólo 42 segundos los momentos más importantes de toda una vida. Un precioso ejercicio de ultra-cortometraje con una premisa tan sencilla como evocadora:

…y en ese último momento, vio pasar su vida entera ante sus ojos…

Viendo las imágenes del “después” y calculando la altura del techo, sospecho que la propuesta también resultó tentadora para algunos artistas no tan pequeños…

Envidiados por el ser humano gracias a su capacidad para elevarse sobre la superficie, los pájaros siempre han proporcionado un excelente material fílmico. Earthflight nos invita no solo a verlos en su medio natural, sino también a ver el mundo a través de sus ojos.

Además de la impecable manufactura que ya es marca habitual de la BBC, la mini-serie cuenta como narrador con el meloso acento escocés de David Tennant, más conocido como Dr. Who en la serie del mismo nombre.

Un aspecto muy interesante en la producción de los seis capítulos del documental es el ingenio y la cantidad de trucos que se han usado para implicar al espectador en la narración. Métodos como el de fijar micro-cámaras de visión subjetiva a los propios pájaros, utilizar aviones teledirigidos, ULMs y helicópteros, entre otros.

Para la filmación se llegó incluso a adiestrar un grupo de gansos para que aceptaran como líder de la bandada a un ultraligero. Todos estos recursos de producción, más allá de la espectacularidad de las imágenes obtenidas, consiguen dar la sensación de que realmente estamos viendo el mundo “a vista de pájaro”.

No te pierdas en esta secuencia del making-of como el audaz piloto consigue manejar el ultraligero, guiar a los gansos y ocuparse de la cámara al mismo tiempo…

El paisaje a lomos de un cóndor…

En esta serie los pájaros no son los únicos animales capaces de volar…

Si las secuencias anteriores te han dejado con ganas de más, en este enlace puedes ver el primer capítulo completo. Aprovéchalo antes de que lo den de baja…
http://youtu.be/ASLzQ_GrNXA

Usando pintura acrílica Fukahori pinta una capa bidimensional que luego recubre de resina transparente. Repitiendo este proceso innumerables veces, el artista consigue recrear escenas tridimensionales tan llenas de vida como se puede apreciar en las fotografías. Pero es necesario ver el vídeo para hacerse una idea del nivel de detalle y paciencia que supone esta técnica, toda una reivindicación del trabajo artesanal en el arte…

* Visto en el twitter de Maria Daniela Quiros.

Sites como Wikipedia, Google, Mozilla, Reddit y WordPress entre otros miles de páginas han liderado una especie de huelga de medios basada en el bloqueo total o parcial de sus propios contenidos.

¿Que es SOPA y porqué se está protestando contra ella?
La Stop Online Piracy Act es un proyecto de ley presentado en octubre del 2011 en el Congreso de Estados Unidos que tiene como objetivo teórico el combatir las descargas online de contenidos no autorizadas por los titulares del copyright de dichos contenidos.

¿Cual es el problema?
Soslayando por ahora el debate sobre el complejo tema de la propiedad intelectual o sobre si es posible que una industria sobreviva a base de demandar judicialmente a sus propios clientes, hay varias críticas fundamentadas que se le hacen a la SOPA (Denominada PIPA en su versión para debate en el senado). Un breve resumen de las principales sería:

1) No funcionará.
Esta ley puede llegar a ser un fuerte obstáculo para quienes comparten contenidos de una manera altruista, pero precisamente los que distribuyen contenidos con una finalidad meramente lucrativa son los que tienen los recursos económicos y tecnológicos para encontrar múltiples maneras de burlarla. Mientras exista una demanda masiva de contenidos que no está siendo cubierta en condiciones razonables por la industria cultural “tradicional”, siempre habrá quien genere una oferta encargada de satisfacer dicha demanda, ya sea por métodos legales o ilegales.

2) Cualquier página podría ser ilegal.
Los mecanismos establecidos en la ley pueden llegar a ser utilizados contra cualquier página web, ya que al penalizar la mera existencia de un enlace hacia contenidos que vulneren el copyright en una página hace que en su aplicación estricta puedan llegar a ser demandadas y por lo tanto bloqueadas páginas como Wikipedia, Google, Youtube o cualquier otra que no hiciera una revisión exhaustiva de todos y cada uno de los enlaces que aparecen en la página, aunque sean externos, algo materialmente imposible. Simplemente un enlace situado en la sección de comentarios de un site por una tercera persona podría hacer que el site entero estuviera vulnerando la ley. La Electronic Frontier Foundation advertía, por ejemplo, que “todo parece indicar que páginas como Vimeo, Etsy y Flickr deberían cerrar si el proyecto se convierte en ley”.

3) Es un poderoso mecanismo de censura y control de la información.
Dada la inseguridad jurídica que genera en su aplicación, es una ley susceptible de ser utilizada no para combatir la piratería sino para bloquear el acceso y la distribución online de cualquier tipo de contenidos, tengan o no copyright.

Puedes encontrar más información clave sobre los potenciales efectos de la Stop Online Piracy Act y sobre las posturas y opiniones tanto a favor como en contra.

Esta maravillosa animación en stop-motion presenta una historia breve, pero muy expresiva, cuya moraleja podría resumirse literalmente mediante esa lapidaria frase pronunciada por el personaje de Tyler Durden en El Club de la Lucha:

“Lo que posees acabará poseyéndote”…

Un fascinante videoclip interactivo.

Dirigido por Chris Milk y bajo la dirección técnica de Aaron Koblin, 3 Dreams Of Black es un videoclip del album Rome creado específicamente para internet. La historia propone tres mundos diferentes (Los 3 sueños a los que el título hace referencia) por los cuales el usuario puede navegar, interactuando con estos oníricos entornos.

Este vídeo es un ejemplo, puedes vivir la experiencia en primera persona en el site Ro.me

Creado específicamente para ser visualizado en el navegador Chrome, la pieza utiliza una combinación de tecnologías HTML 5, WebGL, JavaScript y Processing para hacer que los entornos 3D se generen en tiempo real a medida que vamos explorando el universo propuesto por los artistas. Se trata de un enfoque interactivo más cercano al de los videojuegos que al de un videoclip convencional.

Esta no es la primera vez que el realizador Chris Milk se adentra en los terrenos más experimentales del videoclip. Anteriormente ya había creado una experiencia de cine interactivo para el tema de Arcade Fire The Wilderness Downtown.