Lucro Indecente

Filthy Luker: transformando la realidad en dibujos animados.

Monstruosos tentáculos saliendo de respetables edificios, señales de tráfico que de repente comienzan a interpretar un ballet clásico y árboles que te observan a ti. Éstas son solo algunas de las maneras en las que el artista Filthy Luker interviene el espacio urbano para ofrecer una mirada divertida e iconoclasta sobre la realidad cotidiana…

Aunque también en ocasiones use el graffitti como medio de expresión, su recurso más habitual es la creación de instalaciones efímeras, especialmente en forma de estructuras hinchables.

Solo, o con la ayuda de su cómplice artístico Pedroestrellas (de nombre real Peter Stars), Filthy Luker siempre trata de introducir sus tentáculos en entornos anodinos para conseguir volverlos un poco más extraordinarios.


Strictly cone dancing…

Judge Dred

Bananadrama

Filthy Luker exhibition…

El paciente coreano

El fotógrafo que tallaba las sombras.
Seung Mo Park
es un artista coreano que realiza retratos a medio camino entre la escultura y la fotografía. Para dotar a sus retratos de profundidad, Seung Mo utiliza fotografías de gran formato que después proyecta sobre malla de alambre. Posteriormente va recortando el alambre capa a capa, creando estas singulares piezas capaces de atrapar y tamizar la luz de una forma que a la fotografía le está vedada.

Además de la belleza del resultado final, es realmente interesante contemplar las distintas fases del laborioso proceso que utiliza para realizar cada obra…

Aquí tienes una selección de las obras que componen su última exposición, llamada “Maya”:

Arabesco humano

Una espectacular danza caleidoscópica.

Como secuencia de introducción para las conferencias del TED Summit que este año se celebraron en la ciudad de Doha (Qatar), los chicos de la agencia holandesa We are Pi concibieron esta preciosa danza caleidoscópica. Se trata de un proyecto que, en palabras de sus creativos, fusionaba danza, arquitectura y matemáticas con algo de magia. Para crear la pieza no se utilizaron efectos especiales, sino una ingeniosa estructura de espejos de 18 metros de alto interpuesta entre los actores y las cámaras…

En este making-of tienes más detalles de como se rodó la película.

THIS IS NOW

An exhibition about what’s happening today in visual design and about who is to blame for it. 15 of the the world’s leading designers and illustrators that have had a great impact on todays visual language the last few years, exhibiting unique work in poster art and motion graphics.

The exhibition is named “THIS IS NOW” to indicate the relevance they represent in our current time. All 15 are experts in their respective creative fields, and have left a deep impact in the industry’s recent years. These leading creators have staked out the future directions and trends and their work is described as iconic.

Each artist will create a piece for the show. The image illustrating this post is part of the animated piece Dvein has created for the exhibition.

* THIS IS NOW
From 27th of April to 16th May – Thorvald Meyersgate, 51 – OSLO

La bandera en la cima

“A menudo la frontera entre lo absurdo y lo heróico es inexistente. La bandera en la cima ilustra el orgullo nacional.” Rafel G.Bianchi.

En 2007 el artista Rafel G. Bianchi decidió pintar las catorce montañas más altas del mundo, lo que en el mundo del alpinismo se conoce como los catorce ochomiles. Ha tardado casi cinco años en acabar las catorce pinturas. Lo que muestra en el proyecto de “La bandera en la cima” son, además de las pinturas finales, la documentación relativa a su largo proceso de realización. “La bandera en la cima” no es una exaltación del montañismo, sino que quiere manifestar la absurdidad de la figura del artista, del trabajo en arte y por extensión de nuestra condición en el mundo. Y lo hace aplicándose mucho, poniendo esfuerzo y dedicación, sin establecer distancias, insistiendo en llevar a cabo un trabajo que reivindica su propia inutilidad.

El proyecto incluye los catorce cuadros, pero también todos los elementos del proceso: el calendario con los dibujos/diagramas de la evolución diaria y las diapositivas que documentan el proceso; documentación sobre alpinismo y el mito de los catorce ochomiles; también una maqueta realizada a partir de la paleta que Rafel G. Bianchi ha utilizado para mezclar los colores (los grises, en realidad) y pintar cada cuadro; o unas películas en super8 realizadas durante el proceso de ejecución de las pinturas. La implementación del proyecto con la suma de toda esta documentación y los elementos paralelos a las propias pinturas no responde a una cuestión azarosa o casual, sino que suma referentes y estrategias del alpinismo y de la tradición artística. Como se puede comprobar a través de los libros sobre alpinismo incluidos, la presentación del proyecto, “La bandera en la cima” reproduce el ánimo documental que ha recorrido la historia del alpinismo: a los diarios de campo y los mapas se corresponderían los dibujos y diagramas del proceso de ejecución de las pinturas; a las fotografías de las montañas y de los alpinistas en ascensión, las diapositivas que muestran la evolución de cada cuadro; o a las películas en super8 de los alpinistas, la película también en super8 de Rafel G. Bianchi encerrado en su estudio. Pero las referencia a los elementos que rodean al alpinismo aparecen perfectamente solapadas a las referencias a la tradición documental del arte conceptual. La documentación en fotografías, vídeos o películas remiten a el carácter documental que rodea los trabajos de artistas que van desde Art&Language, pasando por Hans Hacke, Vito Acconci o Chris Burden, hasta Bas Jan Ader. En concreto, la referencia a este último es especialmente destacada por los elementos de antiheroicidad relacionados con el papel del artista que también presiden el trabajo de Rafel G. Bianchi.

Esta expansión documental del proyecto (producida por 8 de agosto) acaba convirtiendo el objetivo, las catorce pinturas de los ochomiles, en un rastro más, delatando que finalmente tan importante como el objetivo es el propio proceso, el trabajo de llevar a cabo la tarea. La importancia de la documentación y los elementos que rodean la ejecución de las catorce pinturas resalta, acentúa, focaliza o hace hincapié en la tarea del artista.
(Texto estractado de la crítica de David G.Torres).

* El proyecto “La bandera en la cima” está expuesto en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo del 30 de marzo al 24 de junio de 2012.


It Get’s Better

A Visual Essay by Eli Guerron

This film is a visual poem, one that focuses on the hard times every single one of us has gone through in the process of discovering who we want to be, dry patches in the journey of finding out who it is we really are.

Isolation. Desolation. Courage. Endurance. And in the final moment, grasp of self-realization, represented in simple elements of visual design…

Play With Me

Multitouch Barcelona en el Día C
La próxima semana se celebra el evento anual sobre creatividad organizado por el CdeC. Para esta edición, el Club de Creativos ha encargado a Multitouch Barcelona la realización de una instalación interactiva que estará en funcionamiento durante los dos días que dura el festival (19 y 20 de Abril).

Los diseñadores de interacción, conocidos por piezas como Fly-me o Guten Touch, han creado la instalación MOV ME, una experiencia interactiva que permite el rodaje en tiempo real de pequeñas películas de animación en las que los propios usuarios se convierten en protagonistas.

La instalación MOV ME forma parte de un proyecto más amplio, Play With Me, que consiste en una serie de instalaciones que exploran las capacidades creativas innatas del público y potencian la expresión de dicha creatividad a través de la técnica del stop-motion.

Además de la instalación, los chicos de Multitouch darán una breve ponencia sobre este y otros proyectos el viernes 20 a las 9:55 hrs.

Multitouch Barcelona es un grupo de diseño interactivo que explora la comunicación natural entre la gente y la tecnología. Diseñan experiencias e instalaciones que fusionan el mundo real con el digital y generan un ambiente que invita al público a tocar, jugar, moverse e interactuar con la tecnología de una manera lúdica y creativa.

La producción de la instalación ha sido realizada por 8 de agosto.

* Día C: 19 y 20 de Abril en el Teatro Calderón de Valladolid.

Synesthesia

Un surrealista cortometraje sobre sinestesia.
La sinestesia (del griego συν, ‘junto’, y αισθησία, ‘sensación’) es como se denomina en retórica y en neurología a la mezcla de impresiones procedentes de sentidos diferentes. Un sinestético puede, por ejemplo, oír colores, ver sonidos e incluso percibir sensaciones gustativas al tocar un objeto con una textura determinada. La sinestesia es un efecto común de algunas drogas psicodélicas, como el LSD, la mescalina o algunos hongos tropicales.

En este cortometraje el realizador Terri Timely intenta plasmar por medio de poderosas metáforas visuales, la manera en que un sinestésico puede llegar a percibir el mundo que nos rodea….

* Una aportación de Joaquín Urbina.

Forms, una exploración del movimiento humano

Forms es una instalación multipantalla que explora los entresijos de la captura y la síntesis del movimiento.

Comisionada por el National Media Museum a los artistas Quayola y Memo Akten, y producida por Nexus, la pieza se inscribe en la exhibición In the Blink of an Eye: Media Movement.

Inspirada en los trabajos de pioneros de la captura de movimiento como Eadweard Muybridge, Harold Edgerton y Étienne-Jules Marey, pero también en obras del cubismo como por ejemplo el “Desnudo Bajando una Escalera No.2″ de Marcel Duchamp. Más que centrarse en las trayectorías, la instalación explora el movimiento a través de técnicas de extrapolación con la finalidad de esculpir formas abstractas y visualizar las relaciones no evidentes -energía, equilibrio, armonía y conflicto- entre el cuerpo y su entorno…

En este otro vídeo podemos ver el contexto de la instalación y como el público interactua con ella a través de una consola que reproduce simultáneamente los vídeos de los deportistas y las secuencias creadas a partir del processing de la señal capturada…

El arte más efímero

Describía Giovanni Papini en su novela Gog a un excéntrico personaje cuya obsesión artística era realizar esculturas de humo, que serían más efímeras que el teatro o la danza. Como es bien sabido, la realidad supera a la ficción porque la realidad no necesita ser creible, y así lo demuestra el proyecto Nimbus, una instalación del artista Berndnaut Smilde.

La idea del proyecto Nimbus es introducir en un espacio expositivo algo tan efímero e incontrolable como son las nubes. Lo que puedes ver en la imágenes no son retoques fotográficos: el artista utilizó vapor de agua para fabricar pequeñas nubes reales dentro de la propia galería, creando así una obra tan efímera que ahora solo existe en forma de fotos.

Los 9 puntos de vista diferentes de la documentación en gran formato hacen que sea posible pasear por el espacio y visitar la exposición de manera virtual. Un metafísico proyecto cuyo objetivo es mostrar lo que ya no está…

* Visto en Floresenelatico