Videoclip for Trujillo‘s album Daltonic Now!, co-directed by Lore&Jun and nomeno.tv : “Malevich might be be writhing in his grave. Poor thing. The guys from Bauhaus too. And surely some master of abstract art or another. We have plundered infamously in their imagery to create a piece -like almost everything we’ve done lately- almost by chance. Without other purpose than to make useful the endless act of creating images -an almost obscene act in this instagramized world-, of dusting the infinite collection of references and of finishing at least one of the hundreds of unfinished projects that fill up our hard drive, we worked making sense of an absurd combination by its own mean: a high-speed train, an iPhone4, some geometric figures, a daltonic musician and a song. We are very sorry, Vasarely, we tried our best.”
Las jornadas Broad.cat pretendían ofrecer bajo el lema “Beyond The Screen” una perspectiva amplia y reflexiva sobre la creación audiovisual en un momento en el que estamos trascendiendo el concepto tradicional de pantalla. El lema de “Más allá de la pantalla” hacía referencia al momento actual, en que tanto un dispositivo móvil -en el caso de Digital Legends- como un edificio entero –caso del impresionante trabajo de Marc Tamschick- es susceptible de convertirse en un lienzo para la creación audiovisual, la idea de pantalla como una superficie bidimensional predeterminada termina desapareciendo.
Cuando la pantalla desaparece, porque todo se vuelve pantalla… ¿Qué implicaciones tiene eso para el creador audiovisual?
Dani Armengol, del estudio Multitouch Barcelona, introducía su inspiradora charla con una crítica a la definición tradicional del diseñador como “solucionador de problemas”. Una definición que para él no es útil por cuanto es fácilmente aplicable a cualquier profesional. De hecho, un profesional no deja de ser cualquier persona que se gane la vida resolviendo algún tipo de problema.
¿Cómo se puede definir entonces un trabajo que incluye ámbitos de actuación tan diversos como el diseño audiovisual?
La variedad de los perfiles de los ponentes de las jornadas Broad.cat sirvió para evidenciar esta problemática. Desde ilustradores-animadores “clásicos” como el legendario Pablo Ferro, pasando por un creador de identidad de canal como Federico Gaggio hasta gente como Trish Sie, que realiza videoclips para el grupo OK Go desde la óptica y el background de una coreógrafa, las conferencias juntaron un grupo muy heterogéneo de creadores cuyo punto de intersección no es la técnica, el medio, el formato o el público al que se dirigen. Por otro lado, si hay algo que su trabajo tiene en común es una clara vocación de generar experiencias.
Un diseñador es un creador de experiencias
Cada vez que consumimos entretenimiento, adquirimos información e interactuamos con los espacios físicos o con las personas que nos rodean, estamos adquiriendo experiencias. El trabajo del diseñador sería entonces el de mejorar la calidad de dichas experiencias o incluso, como en el caso de los creadores audiovisuales cuyo trabajo hemos podido disfrutar estos días, combinar diferentes elementos para generar nuevas y memorables experiencias audiovisuales.
+ Artículo publicado previamente en la plataforma de creación audiovisual Broad.cat
Pensar Más allá de la pantalla. Liberarse de plug-ins. Pensar en múltiples conceptos y estrategias para que sean ejecutados en todos sus ámbitos de manera excepcional y conseguir con ello definir nuevas realidades. Construir Más allá de la pantalla es cuestionar lo que hacemos, hacia dónde vamos y cómo lo vamos a conseguir.
Broad.cat Internacional 2011 reúne en su séptima edición mucho más que inolvidables conferencias de algunos de los mejores profesionales del diseño audiovisual, gente que viene a compartir sus ideas y visiones. Es un encuentro donde los profesionales del sector toman el pulso de lo que va a suceder. Es un sitio donde los creadores conectan con el mercado y el mercado descubre nuevos creadores.
Junto con artistas locales como Multitouch Barcelona y Dvein, las jornadas contarán con conferencistas internacionales de la talla de Pablo Ferro, Trish Sie, Marc Tamschick y Federico Gaggio, entre otros…
+ Información sobre las jornadas en el site de Broad.cat
El realizador Woof Wan-Bau y Nexus Interactive Arts estrenan una experiencia web basada en la cinemática. Se trata del site para la nueva instalación de la artista Tacita Dean en la Tate Modern.
Una experiencia digital en torno al cine analógico
Inspirándose en la pasión de la artista por el cine analógico, el site Tacitadean nos propone un viaje inmersivo a través de una serie de retablos que ilustran las diferentes fases del proceso de creación cinematográfica. Una exploración, salpicada de reflexiones sobre el quehacer fílmico, por la trastienda del proceso que permitió a Tacita Dean crear la instalación FILM que estará expuesta en la sala de turbinas de la Tate Modern londinense hasta el 11 de marzo.
El contenido de la web incluye artículos originales y piezas audiovisuales, algunas creadas específicamente para el site, por un amplio abanico de artistas, cineastas y críticos como Peter Todd, Maya Deren, Adam Pugh y Nicholas Cullinan, entre otros.
Una fructífera relación
Esta no es la primera pieza comisionada por la Tate Modern a la división interactiva de Nexus. Entre otros proyectos digitales de la productora se encuentran el site para la exposición del artista Miroslaw Balka y también el aclamado Muybridgzer, una aplicación que permite a los usuarios de iPhone emular al pionero de la fotografía Eadweard Muybridge, el hombre “que demostró que los caballos podían volar”…
Esta semana, bajo el lema Repasando el Futuro, comienza el festival ArtFutura En el programa audiovisual del evento se mostrará la película “Above Everything Else”, una pieza creada para Silestone por Alex Roman, nuevo realizador de 8 de agosto.
La película, premiada con el León de Oro en la categoría craft del festival de Cannes 2011, ha sido seleccionada como un destacado ejemplo de las posibilidades creativas de las nuevas tecnologías audiovisuales, ya que ha pesar de su detallado fotorealismo y belleza plástica ha sido generada completamente en 3D.
Esta es una excelente oportunidad para ver la pieza en gran formato dentro del ciclo Futura Graphics, que incluye las mejores piezas del motion graphics y la creación digital recientes. Cada película que forma parte del ciclo es, en palabras de los programadores del festival “un alarde en la dirección de arte y en todas ellas hay una intención de experimentar con el lenguaje, la estética o la técnica”.
La película de Alex no es la única pieza de un realizador de 8 de agosto seleccionada para Futura Graphics, ya que también se proyectarán allí piezas de Dvein junto con el resto de una programación que incluye a artistas como David O’Reilly, Rusell Weekes, Chris Milk, Olivier Babinet y Sergio Saleh entre otros.
ART FUTURA
Días 21, 22 y 23 de Octubre en Madrid, Barcelona, Bilbao y otras.
Posteriormente se celebrará en otras ciudades de España y también otro lado del charco (Buenos Aires, Bogotá, Santiago de Chile, etc.). Puedes encontrar la información específica sobre tu ciudad en el site de ArtFutura.
Multitouch Barcelona puts a face to your mobile device. This experiment is a new development of their ‘human interface’ experimental series, an ongoing project which first stage has been shown already as part of the “Talk to me” exhibition at the New York’s Museum of Modern Art.
The image was obtained combining Slit-Scan process and a ingenious DIY contraption. As Roger Pujol, from Multitouch, explains:
“You can compare it with a scanner, it moves while it’s capturing the image line per line. In our case we wanted to make a cylindrical scanner. The prototype consist in a digital camera that captures the image in Hi-Res, a webcam that helps us calibrate and align the image during the scanning, and a swivel chair to turn the model.
The model, sits on the chair and must be as still as possible to reduce the noise of the movement during the filming process (30-40 seconds) while another person rotates the chair. To achieve an uniform movement during the rotation of the chair, we used a DIY system. We projected on the ceiling a circle that was the progress bar that we need to follow, then we equipped the chair with a laser pointer that we use as a progress indicator. Then the only thing that we have to care about is follow the progress of the circle with the laser pointer [...]“
You can get a more detailed explanation on how the process works at the FormFiftyFive‘s site…
Una deliciosa animación de Johnny Kelly sobre agricultura sostenible. Encargado por la cadena de restaurantes Chipotle, el cortometraje lleva como banda sonora un tema del grupo Coldplay versionado por el mítico cantante de country Willie Nelson y narra una preciosa fábula de redención y sostenibilidad.
El protagonista de la historia es un granjero cuyo trabajo comienza a depender cada vez más de los procesos industriales, hasta que se da cuenta de que su propia granja se ha convertido en el engranaje de una maquinaria descontrolada y antinatural.
La redención viene cuando, viendo que él mismo ha dejado de ser granjero para volverse un “aprendiz de brujo”, decide dar un cambio radical y comenzar de nuevo, de ahí el título Back to the Start. Para emprender este retorno a las raices, nuestro pequeño héroe animado opta por un modelo de agricultura sostenible que evite cosas como hacinar el ganado y usar hormonas para engordarlo, consiguiendo de esta manera contaminar menos.
La película cierra con el lema “Cultiva un mundo mejor”…
Una sola toma de cuatro semanas.
La película se ha realizado mediante la técnica del stop-motion: todos los personajes, animales y elementos que componen la narración están animados fotograma a fotograma en una toma única cuya filmación llevó cuatro semanas.
Para recrear el escenario, la productora londinense Nexus construyó un decorado lineal por el que la cámara se desplazaba en paralelo, haciendo que la narración resultara fluida y natural.
Inspiración infográfica
Johnny Kelly -realizador representado por 8 de agosto en el mercado español- narra así el planteamiento del proyecto:
“El brief para la película era muy abierto, pero se nos dio una lista completa de temas y conceptos de los que hablaría -protección de los animales, agricultura orgánica, el uso de antibióticos en la ganadería, rotación de cultivos, la polución del agua… ¡y un montón de otras cosas que resultan difíciles de animar! Nuestro mayor desafío fue encontrar la manera de incluir todos esos temas importantes en una pelicula animada sin que pareciera una ardua conferencia.
La gente de Chipotle nos sugirió que tuviera una sensación de infografía -similar a un diagrama de flujo- y a través de una cuidada planificación con los artistas de trazado y pre-visualización de Nexus fuimos capaces de diseñar un movimiento fluido de la cámara que pudiera tocar todos esos temas de manera secuencial.”
Fly me es una instalación creada por Multitouch Barcelona para el festival Offf.
Esta pieza está basada en la técnica del stopmotion: un sensor detecta cuando el sujeto alcanza su cenit durante el salto y automáticamente realiza una foto. Tras una serie de saltos, el sistema une las imágenes resultantes en una breve secuencia animada.
Fly me forma parte de una iniciativa mayor, el proyecto Play With Me. Una serie de instalaciones y experiencias creadas por Multitouch Barcelona que utilizan el stopmotion como herramienta para que los usuarios desarrollen su potencial creativo de una manera interactiva y lúdica. Como diseñadores de interacción, los artistas de Multitouch Barcelona siempre se centran en acercar la tecnología al ser humano a través del desarrollo de interfaces naturales -como el aclamado Hi, a human interface- y mediante la creación de instalaciones que exploran el potencial lúdico y comunicativo del público asistente.
Hellicar & Lewis son los realizadores encargados de diseñar la interacción del proyecto Coke Music 24hr. Session.
El objetivo, desarrollar un sistema que permitiera al grupo Maroon 5 componer y grabar una canción -con la colaboración de todos sus fans- en 24 horas. El proyecto, concebido por la agencia Wieden + Kennedy, es una producción de Nexus Interactive Arts.
Mediante el uso de la tecnología y la implementación de una plataforma de streaming de banda ancha se trataba de conectar y hacer participar simultáneamente a seguidores de 139 países. El resultado: 35.000.000 de impresiones en Facebook, 31.000 menciones en Twitter al hastag #WithMaroon5… en un plazo de 24 horas.
Diseño de interacción La idea era desarrollar una plataforma capaz de generar interacciones en pleno proceso creativo de la banda y durante su actuación. Todos los mensajes de los fans serían proyectados de manera que el grupo pudiera interactuar con el contenido en cuatro modos diferentes. El sistema debía ser capaz de retener el interés de la audiencia y ser lo suficientemente flexible como para lidiar con los problemas inherentes a una performance en directo.
Plataforma interactiva Hellicar & Lewis combinaron un interface proyectado que se manejaba mediante un sistema de navegación gestual, permitiendo al grupo controlar el contenido de una manera lúdica. Un equipo de programadores trabajando con Openframeworks se encargaría de desarrollar la infraestructura tecnológica que integraba las cámaras 3D con el sistema reactivo Kinect como módulo de captura de movimientos.
Un manifiesto a favor del brutalismo:
artículo de Joaquín Urbina publicado originalmente en la plataforma de creación audiovisual Broad.cat.
“Al primer play, tanto caos y semejante cacofonía compositiva pica en la retina pero de inmediato te seduce el chorro de expresión bruta derritiendo pixeles en un lienzo RGB hecho a mano alzada, lleno de valores plásticos subvirtiendo la imagen, usando libremente quicktimes, plugins, presets en lugar de pinturas acrílicas, componiendo y descomponiendo como si las decisiones viniesen arrastradas por la limitaciones siendo una virtud dentro de tanta rabia creativa y divertimento plástico.
Ya los Fluxus lo reclamaban en su época cuando decían que “el arte debía ser simple, divertido, preocupado por las insignificancias, sin necesidad de habilidades o ensayos interminables”. Cada pieza comienza y termina en ella misma. Sin más: volúmenes geométricos, explosiones, lenguas, gatos, huecos negros, glow, breakdance, fractales y tetas, disfraces, patrones orgánicos con efecto de lava satinada, ostias, chromas mal perforados, rayos laser, texturas infinitas, franjas de error de vhs, un go-go dancer y mucha imagen escalada sin “shift”.
Hay los que logran llegar ahí de forma natural y legítima saltando entre una cosa y otra sin prejuicios formales ni estilísticos, expulsando sin dolor una combinación inverosímil de elementos visuales en un gran acto de catársis visual. Y están quienes hacen el gran esfuerzo postmoderno (en estilo y técnica) de imitar o reconstruir con mucha filigrana y purismo errores y presets análogos (VHS noventero por ejemplo) a base de metódica maña digital incluso usando cacharrería real para encontrar esa divina imperfección.
Da igual el camino, todo sea por un RGB más sucio, inútil, más ateo, dadá y fortuito.
“Malevich might be be writhing in his grave. Poor thing. The guys from Bauhaus too. And surely some master of abstract art or another. We have plundered infamously in their imagery to create a piece -like almost everything we’ve done lately- almost by chance. Without other purpose than to make useful the endless act of creating images -an almost obscene act in this instagramized world-, of dusting the infinite collection of references and of finishing at least one of the hundreds of unfinished projects that fill up our hard drive, we worked making sense of an absurd combination by its own mean: a high-speed train, an iPhone4, some geometric figures, a daltonic musician and a song. We are very sorry, Vasarely, we tried our best.”
